Arte durante la primera guerra mundial

Christopher r. w. nevinson

La naturaleza de la Primera Guerra Mundial puso fin a las tradiciones de la pintura de batalla. En su lugar, el arte bélico de los artistas más jóvenes y progresistas fue el mejor recibido porque se juzgó como el más auténtico. Estas obras pusieron un nuevo énfasis en la piedad de la guerra y el sufrimiento humano. Sin embargo, un estilo vanguardista o la evidencia de la censura no significan necesariamente que la obra sea antibélica. Los principales centros del arte moderno fueron Francia, Alemania y Gran Bretaña, que también fueron protagonistas de la guerra, y es principalmente a través del estudio del arte de guerra producido en estas naciones como se puede evaluar el efecto de la guerra en el arte.

La guerra también condujo a un marcado aumento de la intervención del Estado en todos los aspectos de la vida cotidiana, y la gestión de la opinión pública se convirtió en una tarea fundamental del gobierno, acelerando el desarrollo de la propaganda, incluida la censura de datos militares sensibles y de la disidencia. Dado el aumento y la centralización de los poderes gubernamentales durante la guerra, el uso del arte como instrumento del Estado parecía muy probable, pero al final, sólo Gran Bretaña había desarrollado plenamente los programas oficiales de artistas de guerra, junto con los dominios, Canadá y Australia. Francia desarrolló un programa para autorizar a los artistas a visitar el frente de guerra y comprar sus obras; en Alemania no existía un plan estatal para encargar a los artistas de guerra oficiales, aunque los artistas visitaban el frente como miembros de las unidades de prensa para realizar registros visuales de la guerra[1].

Eric kennington

Coincidiendo con el centenario de la participación de Estados Unidos en la guerra, La Primera Guerra Mundial y el Arte Americano será la primera gran exposición dedicada a explorar las formas en que los artistas estadounidenses respondieron a la Primera Guerra Mundial.

La Primera Guerra Mundial y el Arte Americano es la primera gran exposición de un museo que revisa este acontecimiento mundial sin precedentes a través de los ojos de los artistas estadounidenses, y transformará la comprensión actual del arte realizado durante la guerra y tras ella. El impacto de la guerra en el arte y la cultura fue enorme, ya que casi todos los principales artistas estadounidenses de la época interpretaron sus experiencias, opiniones y percepciones del conflicto a través de sus obras.

La Primera Guerra Mundial y el Arte Americano se organiza en torno a ocho temas: Preludio: La amenaza de la guerra; Hartley y Hassam: La tenue neutralidad; El debate sobre la guerra; La movilización; Los modernistas y la guerra; Los campos de batalla; Los heridos y los sanadores; y La celebración y el luto. La exposición, organizada siguiendo la narrativa de la propia guerra, mostrará cómo los artistas hicieron la crónica de sus experiencias en el desarrollo de la guerra a medida que ésta se acercaba a sus hogares y luego los involucró directamente como soldados, trabajadores de socorro, disidentes políticos y artistas oficiales de la guerra.

Käthe kollwitz

Mil novecientos catorce no era una época propicia para anunciar un nuevo movimiento artístico. Sin embargo, en julio de ese año apareció el primer número de la revista artístico-literaria Blast, que declaraba el nacimiento del vorticismo. Una vez que se ha filtrado una gran cantidad de baratijas, lo que el movimiento representaba era un repudio tanto de los valores victorianos como de la estética de Bloomsbury, y en su lugar una aclamación de la modernidad, la era de las máquinas y la representación no tradicional.

El vorticismo fue, en gran medida, una idea del pintor y crítico Percy Wyndham Lewis, que contó con el apoyo de la cúpula de la vanguardia británica, compuesta, entre otros, por Ezra Pound, TS Eliot, Ford Madox Ford, CRW Nevinson, David Bomberg, Jacob Epstein, William Roberts y Henri Gaudier-Brzeska. «Uno piensa de inmediato en un remolino», escribió Wyndham Lewis. «En el corazón del remolino hay un gran lugar silencioso donde se concentra toda la energía; y allí, en el punto de concentración, está el vorticismo».

El vorticismo no era más que el ala británica de un movimiento europeo que sostenía que el arte debía rehacerse para los tiempos que corren. Italia contaba con los futuristas que, bajo el mando de Filippo Marinetti, adoraban la violencia, la velocidad, el automóvil, la ciudad moderna y la juventud. Francia, por su parte, tuvo el cubismo, la invención de Picasso y Braque que fracturó los objetos tridimensionales para reconstituirlos en el lienzo, y el «antiarte» conceptual de Marcel Duchamp.

Impresionante…

Cuando se acerca el centenario de la entrada de Estados Unidos en la contienda, el 6 de abril de 1917, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania organiza la primera gran exposición sobre el arte estadounidense y la guerra (que aparecerá a finales de este año en Nueva York y Nashville). «Las obras de La Primera Guerra Mundial y el Arte Americano nos ayudan a ver de forma nueva y desconocida hacia dónde nos dirigíamos hace un siglo y, por extensión, hacia dónde podemos dirigirnos hoy», escriben los comisarios Robert Cozzolino, Anne Knutson y David Lubin (padre de este periodista).

Uno de los pocos artistas estadounidenses que vio la guerra de primera mano fue Clagett Wilson, que retrató el caos en sorprendentes obras modernas como ésta, «Flower of Death-The Bursting of a Heavy Shell-Not as It Looks, but as It Feels and Sounds and Smells».

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